80´s

Géneros musicales (mixes styles):
Funk, Nu Disco, Disco, House, Soul, Dance, 80s, Edit, Re-Edit, Disco, Hi Energy, House, Remix, 70s, Deep House, Boogie, Pop, Re-edits, Club, Italo Disco, NuDisco, Funky House.
By Eduardo Benítez
¨SUBELE AL RADIO AUNQUE TRUENEN LAS BOCINAS¨

El Estilo

El Estilo

CULTURA ROCK Y SUS EVOLUCIONES

El idioma original del rock era el inglés, así que todo músico (a excepción de los argentinos que tenían bastantes razones para repudiar el idioma) buscó la forma de trasmitir sus ideas en inglés. Además del pretexto del origen, muchos grupos tenían la idea de que la única forma de salir de las fronteras de las pequeñas ciudades y del país era cantar en inglés, sólo así se podrían hacer entender de forma internacional. Por eso bandas como los Dug Dug’s, La Revolución de Emiliano Zapata, Peace and Love, Love Army y Three Souls In My Mind pensaban, escribían y cantaban en inglés. Durante mucho tiempo esa fue la tendencia de la música en México, con todo y que el movimiento sufrió la represión y quedó aislado en los cafés cantantes y los hoyos funkys. Como consecuencia de la represión hacia la juventud, los jóvenes eran vistos como delincuentes, y el apoyo al rock nacional, se vio obligado a separarse un poco de la vida cotidiana para refugiarse en los denominados “Hoyos Funkies”, estos eran un espacio, donde la sociedad de rockeros que querían expresarse, se reunían para entrar al mundo underground que llevaba implícito el hoyo funkie: cualquier grupo podía tocar y podía tener o no, la aceptación del público, con estas tocadas subterráneas, para principios de 1980 surgieron nuevos valores que forman parte de una generación de músicos que hasta hoy han trascendido. Se origina el “Movimiento Rupestre”, que contemplaba a aquellas bandas que a falta de recursos para formar grupos con instrumentos eléctricos, presentaban su propuesta sólo acompañados de su guitarra, y cuya riqueza se basaba en sus letras muchas veces complejas y con una carga existencial, que nos remitía de alguna manera al movimiento folk acústico de los sesentas. Después del terremoto de 1985, este movimiento se convierte en semillero de un sinfín de compositores y grupos de rock nacional. A mitad de ese mismo año, se crearon foros como La Rockola, El Bar 9, Rockotitlán, Foro Alicia, RockStock, La Victoria, Tequila Boom, La Diabla, Babel, Fixión, Tutti Frutti, LUCC, All Rock

Donde gracias al ambiente de estos lugares, aparecen de un momento a otro una nueva generación de grupos. Con el renacimiento del rock, se dio cita también al surgimiento de otras artes subterráneas como el teatro, la danza, performances entre otras actividades, permitiendo entonces que los lugares donde se citaban para las tocadas fueran también espacio para estas artes. El paso definitivo para la concepción del rock mexicano en español lo dieron Juan Navarro y Ricardo Ochoa, quienes fundaron el sello Comrock y editaron 16 discos en esa línea. En su corta existencia las bandas que acogieron tradujeron sus nombres del inglés al español. Kenny and The Electrics, Three Souls In My Mind y Dangerous Rhythm se transformaron y se unieron a bandas como Mask, Luzbel, Clips y Montana, entre otros, para crear el movimiento de “Rock En Tu Idioma”.

 Así de simple nació el llamado “Rock en tu Idioma”, concepto creado con el objetivo de conseguir que algunas bandas sudamericanas de renombre escalaran la geografía de sur a norte para asentarse popularmente, y hacer de México una zona de paso hacia el mercado internacional. Aunque no pretendían armar un movimiento cultural de grandes proporciones, durante esos pocos años en que el slogan se utilizó nacieron suficientes grupos como para fortalecer un poco la escena y ligarla con lo que ocurría en Argentina, Chile, Colombia, España y Estados Unidos, así durante casi una década las compañías disqueras y los grupos mexicanos establecieron una relación bastante fructífera, que animó a estaciones de radio y medios impresos a confiar en la calidad del rock nacional y su capacidad para producir sus propios sonidos. 


Entre los 80 y 90 la música tuvo cierta continuidad en nuestro país, a pesar del formato pop que los sellos grandes utilizaban para promocionar a los grupos de rock. No importaba realmente la forma, mientras los sonidos salieran del hoyo funky y llegaran hasta las grandes masas, sin embargo a finales de los 90 la continuidad llegó a su fin, algunas disqueras decidieron dar carta de retiro a los grupos en los que alguna vez habían confiado y que ahora no resultaban un buen negocio. La crisis de la industria, provocada por la piratería y los altos salarios de los ejecutivos, definitivamente se llevó entre las patas a una buena parte de esas bandas que ansiaban tener un contrato discográfico y que aspiraban poder utilizar el gran aparato de difusión y distribución que les prometían. Simplemente estaban congelados, sin disquera para sacar nueva música (en el caso de las bandas con algunos años de existencia) o acercarse por primera vez a un público más amplio (en el caso de las bandas noveles). En la búsqueda de nuevas formas de expresión las disqueras independientes se han fortalecido, sellos como Happy Fi, Discos Antídoto, Abolipop Records, Nimboestatic, Histeria Colectiva, Grabaxiones Alicia y Nuevos Ricos (por mencionar unos pocos) acogieron diferentes géneros y establecieron nuevas formas de trabajo en las que permitieron nacer a una nueva generación de grupos, que han combinado novedosas formas de organización y distribución para hacer llegar hasta el público su música con mucho éxito. Esa nueva camada sigue al pie de la letra la línea del DIY, buscan la autogestión para mantener libre su música, deciden que quieren hacer con ella y la forma en que la harán llegar a sus seguidores. La mayoría de las veces estos grupos producen sus propias canciones, maquilan sus discos y reciben íntegras sus ganancias, que son reinvertidas en el equipo del grupo y en la edición de más discos, y en sus inicios, los grupos mexicanos eran menospreciados y se les daba la oportunidad de abrir los conciertos a los estelares, pero después de 50 años los festivales o tocadas de bandas locales en sitios como 
El Foro Alicia, El Pasagüero, el Cultural Roots, La Alberka, El Sauce Boxeador, El Bulldog Café y Virreyes (entre muchos otros) se han vuelto prácticas cotidianas, a esto se suma por supuesto una mayor apertura y difusión del rock mexicano en los medios de comunicación. El rock mexicano ha cumplido 50 años de estar en nuestros corazones y los diferentes grupos hoy día en escena son producto del trabajo de un movimiento que ha tenido pausas, verdaderos momentos de fuerza y continuidad para ser vigente. El rock es una realidad, y ahora el tiempo nos premia con dos festivales muy importantes a nivel nacional: el Festival Vive Latino y Corona Music Fest, así como eventos masivos de rock organizados por diversas estaciones de radio, mismos a los que asisten el mayor número de reconocidos grupos de rock del país, los cuales originan toda una fiesta dedicada al pasado y al presente, para todos sus fieles seguidores.








30 AÑOS LEJOS DE OLVIDAR ESTÁN AÚN MÁS VIGENTES QUE NUNCA!!




LEYENDAS DEL POP
TUS RECUERDOS VIVEN AQUÍ!!

Lejos de ser olvidados resurge la nueva etapa,  estos personajes ochenteros que hoy en día en las discotecas nuevamente destrozan las pistas de baile al escuchar los éxitos de los grandes iconos de la moda pop 80tera


MICHAEL JACKSON
Nacido el 29 de agosto de 1958 en Gary, Indiana (Estados Unidos), Michael Joseph Jackson era el séptimo de los nueve hijos de Joseph y Katherine Jackson. Comenzó su carrera siendo sólo un niño de 11 años junto a sus hermanos en los Jackson Five, con quienes lanzó temas de éxito como I Want You Back o ABC. Sin embargo, ya a la edad de cinco años había mostrado un increíble talento para la canción en una función navideña del colegio. La presión de las ventas, la fama, las disputas con sus hermanos, compañeros de viaje en los Jackson Five, todo formó parte indisoluble de una niñez que culminó cuando a los doce años ya era considerado toda una estrella mundial. Como dato anecdótico de lo que fueron los Jackson Five, y luego él en solitario, algunas cifras de ventas escalofriantes que ya quisieran para sí muchos músicos consagrados: los cinco hermanos Jackson vendieron, mientras actuaron juntos bajo el patrocinio de Diana Ross, más de cien millones de copias.

La fama mundial le llegó con su carrera como solista, que inició en 1979 con el disco Off The Wall, que incluía éxitos como Don't Stop 'Til You Get Enough y Rock With You. Su segundo álbum, Thriller, de 1982, es el disco más vendido de la historia. Sus posteriores trabajos -Bad (1987), Dangerous (1991) y History (1995)- también alcanzaron ventas millonarias en todo el mundo.

Con un estilo y personalidad únicos, Michael Jackson es un icono en la historia de la música que ha influido en multitud de artistas de posteriores generaciones. Enigmático, ambiguo, misterioso con sus grandes manías y sus toques de generosidad, Jackson ganó 13 Premios Grammy y vendió alrededor de 750 millones de discos. También destacó por su labor solidaria, ayudando a multitud de causas benéficas a través de su fundación, sobre todo a aquellas relacionadas con la infancia. La fama le trajo la adoración del público y su estilo, siempre original y rompedor (ha llegado a obsesionarse con la cirugía estética), marcó tendencia, mientras Neverland, su enorme rancho, se convertía en símbolo y lugar de peregrinación de sus fieles fans, al igual que Graceland lo fue para los seguidores de Elvis.

RICK ASTLEY
30 años de 'Never gonna give you up': la historia el éxito ochentero
Tres décadas han pasado ya. Hay éxitos que, lejos de envejecer, se engrandecen con el tiempo, como los buenos vinos. Si le decimos: "Never gonna give you up", ¿a que se le viene el sonsonete a la cabeza? Y es que ya sea uno ochentero irredento o negacionista de aquel fenómeno kitsch, lo que es innegable es que la canción de Rick Astley es un temazo. Y como tal lo ha tratado la Historia, incluso en ámbitos absolutamente inesperados. ¿Le han hecho alguna vez un rickroll? Si no tiene ni la menor idea de lo que le estamos hablando, siga leyendo.
Pero antes, pongamos banda sonora a esta breve biografía friki. Sí, el propio Rick Astley ha celebrado el 30 cumpleaños de su greatest hit con un tuit que ha hecho las delicias de sus seguidores (y de los seguidores del rickroll, ya llegamos, no se impaciente). "Hace hoy 30 años dije que nunca os dejaría. Soy un hombre de palabra", publicaba Astley. Damos fe, aunque desde mediados de los 2000 su fama se haya debido en mayor medida a una broma de Internet que a su propia carrera musical.

El rickroll es, según Wikipedia, "un enlace trampa disfrazado como algo de interés para que el usuario haga clic sobre él, pero lo redirige hacia el vídeo musical de Rick Astley". Añade la enciclopedia que "cuando una persona entra en el enlace que le lleva a este vídeo musical, se dice que ha sido rickrolleado". Que la entrada dedicada a esta forma de troleo sea más larga que la que detalla la biografía de un artista con más de 30 años de carrera a sus espaldas merece, cuando menos, echar un vistazo a este fenómeno. Por cierto, que el segundo epígrafe en la segunda está dedicado, precisamente, al rickroll...



PET SHOP BOYS
Está formado por Neil Tennant y Chris Lowe. Ambos se conocieron en una tienda de electrónica en agosto de 1981. Dada su común afición por la música, decidieron trabajar juntos. Durante sus comienzos se llamaron "West End" pero pronto ese nombre daría paso al definitivo de Pet Shop Boys.

Su primer trabajo publicado fue una primera versión producida por Bobby Orlando del que luego sería su primer número 1: "West end girls". Sin embargo en aquella ocasión pasó desapercibido entre el público. Epic, la discográfica que les había fichado, decidió rescindirles el contrato y el 1985 firman contrato con Parlophone.


En julio de ese mismo año aparece "Opportunites (Let's make a lot of money)". El disco no consigue entrar en las listas de los importantes, pero en octubre graban una nueva versión de "West end Girls", con Stepehen Hague en la producción. Esta vez sí es la definitiva y los Pet Shop Boys consiguen colocarse como número uno de las listas británicas durante dos semanas seguidas.


TRACY CHAPMAN
Nació el 30 de marzo de 1964 en Cleveland, Ohio
Fue criada por su madre, quien descubrió la afición de Tracy por la música y, haciendo un gran sacrificio, le compró un ukelele cuando tenía sólo tres años. Comenzó a tocar la guitarra y a escribir canciones con ocho años. Se crió como bautista y asistió a una escuela episcopal.
Fue aceptada en el programa "A Better Chance", que ayuda a estudiantes de las minorías a asistir a escuelas privadas. Se graduó de la Escuela de Wooster en Connecticut, luego asistió a la Universidad de Tufts, en Massachusetts, donde se graduó en Antropología y estudios africanos.
Se inició cantando en las calles de Harvard Square, en pubs y cafés. En 1988 se dio a conocer en todo el mundo en un concierto homenaje a Nelson Mandela, por su setenta cumpleaños.
En ese mismo año hizo aparece su disco "Tracy Chapman", por el que recibió cuatro premios Grammy, con su tema "Fast Car", vendió más de 10 millones de copias. Participó en el concierto homenaje a Bob Dylan por su 30 aniversario, en el tour que realizó Amnistía Internacional Por Los Derechos Humanos, cantando junto con Bruce Springsteen, Sting, y muchos otros.
En 1989 aparece su segundo disco "Crossroads". En 1992 publicó "Matters Of Hearts". En 1995 se edita "New Begining", por el que recibió un premio Grammy y cuyo tema, "Give Me One Reason", llegó en 1996 a los Top Ten de Estados Unidos. Después aparece "Telling Stories", producido por Chapman y David Kershenbaum. Presenta como curiosidad un dúo con Emmylou Harris en la canción '"The only one" (2000). En 2002 publica "Let It Rain", en septiembre de 2005 lanza "Where You Live" y en noviembre de 2008, "Our Bright Future".


ROD STEWART
En 1978 se enfrenta a una reclamación de plagio por la canción "Da ya think I'm sexy". En 1979 contrae matrimonio con Alana Hamilton y son pareja hasta finales de 1983. Comienza una relación con la modelo Kelly Emberg. En 1985 actúa en el festival Rock in Rio en Río de Janeiro (Brasil). En 1986 se produce la reunión de The Faces en Wembley en homenaje a Ronnie Lane (componente de The Faces) muerto a causa de esclerosis múltiple. Graba una canción con Tina Turner ("It takes two"). También con Ron Isley ("This old heart of mine"), Glass Tiger ("My town"), Bryan Adams y Sting ("All for love") y participa en discos homenaje como el de Carole King ("So far away") y Elton John ("Your song"). La recopilación "Storyteller"(1989) tuvo grandes ventas. Se separa de Kelly y a los pocos meses se casa con Rachel Hunter. A mitad y finales de los 90 aparecen "A spanner in the works"(1995) y "When we were the new boys"(1998).

En 2000, Stewart decidió dejar Warner Bros y se trasladó a Atlantic Records, división de Warner Music Group. En 2001, lanzó Human, su único álbum para Atlántic, que alcanzó el Top 50 con el single "I Can not Deny It". Después lanzó The Very Best de Rod Stewart, un álbum de compilación con sus grandes éxitos y alcanzó el número uno en países como Bélgica y Francia. Realizó la gira Human Tour en 2002.
En mayo de 2000, le fue diagnosticado un cáncer de tiroides siendo intervenido quirúrgicamente en ese mismo mes. La cirugía afectó a su voz y tuvo que volver a aprender a cantar.
En 2005 un juzgado federal de EE UU le condenó ayer  a pagar 2 millones de dólares más los intereses generados, por cancelar un concierto de Año Nuevo en Las Vegas (EE UU) en noviembre de 2000. En octubre de 2012, aparece su autobiografía titulada Stewart de Rod: The Autobiography.
Ha tenido ocho hijos, de cinco madres diferentes. A los 65 años el cantante reconoció públicamente en una fiesta a su primera hija, Sarah, nacida de un romance juvenil en una paternidad hasta entonces nunca reconocida. El actor puertorriqueño Benicio del Toro lo convirtió en abuelo al tener un hijo con Kimberly Stewart, hija de Rod.

40 AÑOS Y MAS DE HI ENERGY

HI ENERGY…quizás te estarás preguntando de que se trata?

Bueno, te diré que aunque no lo sepas, si tienes más de treinta y alguna vez tuviste en tus manos alguno de los ya legendarios compilados de, STACEY Q, BOBBY ¨O, FANCY etc, seguramente escuchaste HI ENERGY pero es normal en este país que a esta música se le diga “música ochentossa” ya que es de esos años, pero no toda la música de los 80s es HI ENERGY…
Entonces para que sepas más de este género musical que genero gran parte de la música electrónica que bailas hoy como loco en los boliches   A principios de la música Disco en 1975 empezaron grupos como Van McCoy ("The Hustle&quot, Silver Convention ("Fly Robin Fly&quot y ABBA ("Mamma Mia", "S.O.S.&quot. Estos grupos fueron los más grandes contribuyentes de este nuevo estilo de música pues fueron pioneros en todo el sentido de la palabra. Sus canciones llevaban a un clima de felicidad, libertad y alegría. Fué un gran cambio, considerando que la música rock había dominado ya por tanto tiempo. Esto causó que mucha gente volteara sus cabezas al nuevo estilo y así fue como la popularidad de la música Disco empezó.
Lo que ofrecían estos grupos en un principio era recibido de manera inmediata por el público y se convertían en clásicos al instante, lo que provocaba que la gente pidiera más de este nuevo sonido. Sin embargo, debido al hecho de que la industria musical en ese entonces estaba menos desarrollada, hizo que la música Disco permaneciera en su infancia por unos años más. Pero para 1977 la industria musical se preparó, al igual que sus artistas, para conquistar al mundo y poner a la música Disco como estandarte de la cultura americana.
Lo que siguió fue una explosión de grupos y artistas que producían éxito tras éxito tras éxito que llenaban el Top 100 de las listas de sencillos y álbums de la revista Billboard, dejando fuera el sonido del rock "arena". La música Disco se había convertido en la nueva música pop de América. Tenía sus pies firmemente puestos en cada Top 40 de las estaciones de radio y en las pistas de baile alrededor del mundo. Dos disqueras que influyeron fuertemente durante éste periodo fueron Philadelphia International y Salsoul (principalmente del '75 al '79).
Entre la crema y nata estaba gente como DONNA SUMMER & GIORGIO MORODER ("I FEEL LOVE" - 77), LOS BEE GEES ("SATURDAY NIGHT FEVER SOUNDTRACK" - 78), VILLAGE PEOPLE ("Y.M.C.A.", "MACHO MAN" - 78), SYLVESTER ("DISCO HEAT" - 78), GLORIA GAYNOR ("CAN'T SAY GOODBYE" - 75 Y "I WILL SURVIVE" - 78), KC & THE SUNSHINE BAND ("SHAKE YOUR BOOTY" - 75 Y "GET DOWN TONIGHT" - 76), Y ABBA ("TAKE A CHANCE ON ME" - 78). TODAS ESTAS CANCIONES ESTABAN CARACTERIZADAS POR TENER ELEMENTOS UNIVERSALES ESENCIALES PRESENTES EN LA MÚSICA HI NRG TRADICIONAL. OTROS CLÁSICOS SON CHIC ("GOOD TIMES", "LE FREAK&QUOT, GRACE JONES ("I NEED A MAN&QUOT, RITCHIE FAMILY ("BEST DISCO IN TOWN&QUOT, MECO ("STAR WARS&QUOT, THELMA HOUSTON ("DON'T LEAVE ME THIS WAY&QUOT, DAN HARTMAN ("RELIGHT MY FIRE&QUOT Y VICKI SUE ROBINSON ("TURN THE BEAT AROUND&QUOT.
También fue clave durante esta era el mega-productor Giorgio Moroder. Su trabajo con Donna Summer maravilló a todos, pues él fue (y sigue siendo) el amo original de toda la música Hi NRG. El infinito track "I Feel Love" era simplemente sorprendente y muy adelantado a su tiempo pues estaba manipulado totalmente por sintetizadores y secuenciadores. Moroder fue el primero en lograr esto con éxito, lo cual le produjo un hit #1. Hasta la fecha, "I Feel Love", tiene el poder de llenar cualquier pista de baile y de mantenerse contra cualquier hit Euro/Hi NRG actual. Moroder también produjo Janis Ian, The Sparks, Irene Cara, Philip Oakey, Three Degrees, Japan, Suzi Lane y Cher. También recibió un premio de la Academia por el soundtrack de la película "Midnight Express".
Otro productor clave fue Gregg Diamond. Entre 1977 y 1980 desarrolló su propio y MUY reconocible estilo produciendo a gente como Andrea True Connection, Bionic Boogie y Gloria Gaynor.
Otros grupos que también impactaron durante esta época fueron LIPPS INC. ("FUNKYTOWN" - 79), PATRICK HERNÁNDEZ ("BORN TO BE ALIVE" - 79), AMII STEWART ("KNOCK ON WOOD" - 79), BONEY M ("RASPUTIN", "RIVERS OF BABYLON" - 79), MICHAEL JACKSON ("DON´T STOP 'TILL YOU GET ENOUGH" - 79), ABBA ("VOULEZ-VOUZ" - 79), FRANCE JOLI ("COME TO ME" - 79) Y POR SUPUESTO, DIANA ROSS ("UPSIDE DOWN" Y "I'M COMING OUT" - 80).
Es muy interesante hacer notar aquí que la mayoría de los sonidos y las orquestas del euro-disco, fueron creados en el periodo entre 1977 a 1979 por productores como Alec R. Constandinos ("Romeo and Juliet&quot, Boris Midney ("Come Into My Heart&quot y Cerrone ("Love In C Minor" y "Supernature&quot. Estos fueron importantes precursores del sonido alemán que seguiría años después.
Hacia finales de la época Disco, varios artistas de rock y que no eran de disco se dieron cuenta que tan popular se había vuelto ésta música. Gente como DOLLY PARTON ("BABY I'M BURNING&QUOT, KISS ("I WAS MADE FOR LOVING YOU&QUOT, CHER ("TAKE ME HOME&QUOT, JANIS IAN ("FLY TOO HIGH&QUOT, BARRY MANILOW ("COPACABANA&QUOT Y BARBARA STREISAND ("THE MAIN EVENT&QUOT SON LOS 'ABUSADOS' QUE SE GANARON UN DINERO EXTRA GRACIAS A LA MÚSICA DISCO. UNO SIMPLEMENTE NO PUEDE OLVIDAR EL ÁLBUM CLÁSICO QUE SACÓ ETHEL MERMAN EN 1979. "THE ETHEL MERMAN DISCO ALBUM" sigue siendo hasta la fecha uno de los mejores álbums para cualquier fiesta.
Al ir entrando en los 80's, estaba naciendo en Estados Unidos un movimiento que iba en contra de la música Disco. Lo que viene a la mente es un cierto Dj de una estación de Chicago generando un rally anti-disco en uno de los estadios de Chicago, motivando a la gente a ir y quemar sus discos. El lema era "Disco Sucks". Este hecho pudo marcar el final de la época Disco.

Después vendrían grandes avances tecnológicos en la música que provocaron que la música Disco fuera sustituida por dos tipos diferentes de música bailable: el Hi NRG y el House. Es irónico saber que la misma ciudad que fuera responsable por la caída de la música Disco, sea conocida ahora como la cuna de la música House


A 30 DE AÑOS DE ROCK EN TU IDIOMA




Rock en tu Idioma

Se cumplieron ya 30 años de Rock en tu Idioma, este génesis o etapa musical en México que vino a revolucionar el Rock; desde aquellos años 60s de auge de rock ‘n roll nacional que era lidereada por bandas como Los Rebeldes del Rock y Teen Tops y posterior al paso de la onda chicana representada por grandes bandas como los Dug Dugs, el Ritual, La Tinta blanca, Javier Batiz y sin olvidar el nacimiento del Three Souls in my Mind que escenificaron y representaron todos ellos el clímax de la conocida onda hippie en nuestro país, ésta etapa ha sido sin lugar a dudas un parte aguas en nuestra cultura, democracia y juventud.
Después de casi 15 años de silencio en el rock por represión del antiguo gobierno priista la escena musical era solo conocida en los hoyos funky, por tocadas en la bodegas y estacionamientos de la circunferencia o colonias alejadas de la capital y ahí se realizaban los viserables, palpable y éstos no tan famosos tokines por el ya actual TRI, Botellita de Jerez y otras bandas que crecerán en un futuro.
En 1987 la marca discográfica Ariola, que contaba en su repertorio al Príncipe de la canción José José, se arriesga a grabar bandas mexicanas con material inédito y con una nueva propuesta musical: Rock en Español. Pero las cosas no se dieron así tan fácil, tuvieron que ver el gran auge musical venido del extranjero para apostarle a esta nueva generación de rockeros. La invasión Argentina y Española, llamada así por la llegada de grupos importantes como Soda Stereo, Enanitos Verdes, Miguel Mateos (ZAZ), La Unión, Mecano, Radio Futura etc. fue el soporte para crear un nuevo sello discográfico: ROCK EN TU IDIOMA.

No es el sello discográfico lo que se celebra conforme pasan los años, sino la explosión de Rock en Español y también de nuestro Rock Mexicano. El nacimiento de bandas que hoy en día se consideran casi de culto, vieron sus inicios importantes en esta etapa: Caifanes, Fobia, La Maldita vecindad y los hijos del 5to patio, Neón, Bon y los enemigos del silencio, Montana (después Rostros Ocultos), Kenny y los Eléctricos y muchos grupos que si continuara me llevaran bastantes líneas para enlistarlos.

Enrique Bunbury
Después de una lucha constante para que la radio mexicana programara cosas diferentes a Flans, Pandora, Timbiriche y una bola de baladistas hubo también radiodifusoras que corrieron ese riesgo y fue Rock 101 quien comenzó a programar el rock que se escuchaba en nuestro país. Rock-Stock era un programa que trasmitía los sábados y donde se podía a escuchar conciertos en vivo de bandas importantes. Otro centro precursor de bandas fue Rockotitlan, fundado por la gente de Botellita de Jerez que exigía a las bandas el deber y tener de presentar una propuesta original (NO COVERS) y con letras en español al tocar en éste: Lugar del Rock.

Provincia no se queda atras y comenzó aportar grupos de Guadalajara como Mana -que la neta no tiene nada de rockero-, Azul Violeta, la ciudad de Tijuana y Monterrey también aportaron cosas interesantes como Tijuana NO.

En fin, los noventas fue el climax de nuestro rock en español, y logramos ver en lo mas alto ya grupos consolidados como Caifanes, Cafe Tacuba, Los amantes de Lola, La Maldita, Fobia, Soda Stereo, Aterciopelados, La Ley, Heroes del Silencio, El Tri en el MTV y aunque también vimos nacer a nivel mundial un nuevo plano musical como el GRUNGE como estandarte a NIRVANA, Pearl Jeam en lo absoluto logro distraer las miradas de los que nos sentimos de corazón rockeros.
Ahora después de 30 años, el re encuentro de dos grupos de esta generación (Soda Stereo y Heroes del silencio) viene a sentirnos melancólicos de nuestras experiencias de ROCK EN TU IDIOMA.

Y a ponernos a pensar, si las nuevas generaciones con todo el apoyo de tecnologías y comercialización logren alcanzar o super a las ya bandas consagradas, este nuevo movimiento INDIE me mantiene a la expectativa de como se mueva.

Historia las 31 canciones mas emblematicas de los 80´s

En forma descendente los mejores exitos integrados para el inico de este 2018 recuerda 
                                            ¨TUS SENTIDOS VIVEN AQUI¨                                                   
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31. dirty dancing ‘Op´s’ (RCA, 1987)

Dirty Dancing es todo un clásico del cine de los 80 y su banda sonora una de las producciones más exitosas de la década. El tema “(I’ve Had) The Time of My Life”, interpretado por Jennifer Warnes y Bill Medley (ex de los Righteous Brothers) se hizo con el Óscar a la mejor canción original, Grammy por Mejor Interpretación Pop por un Dúo y el Globo de Oro para Mejor Canción Original.


30. footloose ‘Op´s’ (Columbia, 1984)

La banda sonora de la película Footloose no es una compilación de temas de fondo. Un film que trata sobre las prohibiciones de tocar música rock tenía que tener una banda sonora acorde con la temática, todos los temas fueron compuestos una vez terminada la película y revisados con la colaboración del artista por un guionista. Este método permite que muchas de las escenas principales casen a la perfección con las canciones que las acompañan.



29. top gun ‘Op´s’ (Columbia, 1986)

Una banda sonora que colocó tres temas en lo más alto de las lista de éxitos. Los canadienses Loveboy aportaron “Heaven in your eyes” que consiguió el puesto 12 de las listas de EEUU. El segundo éxito “Danger Zone” vino de la mano de Kenny Loggins aunque inicialmente fue escrito para Bryan Adams que lo rechazó por su contexto militar. Pero la verdadera triunfadora fue la pieza central “Take My Breath Away” a cargo de Berlin, número 1 en Estados Unidos y Reino Unido y el reconocimiento dela Academia como Mejor Canción Original y el Globo de Oro en esa misma categoría en el año 1987.


28. Leonard Cohen: i’m your man Op´s (Columbia, 1988)

“I’m Your Man” es el noveno álbum de la carrera de Cohen y el primero en experimentar con las cajas de ritmos y los sintetizadores. Una obra maestra del poeta y novelista Canadiense, reconocido como uno de los más grandes letristas del mundo. El tema “Take this waltz” es la musicalización del poema de Lorca “Pequeño vals vienés“.



27. Sade: diamond life Op´s  (Epic, 1984)

La elegancia con la que hizo su debut Sade fue toda una revolución. El Soul y el Rhythm & Blues habían coqueteado con muchas vertientes pero hasta la llegada de “Diamond Life” no vimos la inclusión de sonidos exóticos como la bossa nova o los ritmos caribeños. La suave y romántica voz de Sade adornada con el conmovedor saxofón de Stuart Matthewman pasaron 81 semanas en el Billboard.


26. Anita Baker: rapture Op´s (Elektra, 1986)

Anita Baker es la gran damnificada de la década. A mediados de los 80 la demanda de jazz soul era casi nula y la poca que había parecía estar enamorada de la joven Whitney Houston. “Rapture” es una producción a medida para la impresionante voz contralto de Anita Baker, por encima de la tenor, la más grave de las voces femeninas.


25. Tracy Chapman: tracy chapman Op´s (Elektra, 1988)

El álbum debut de Tracy Chapman rescataba la esencia de los cantautores de los 70, volvió a despertar el interés de un público colmado de experimentaciones electrónicas. Un tira y afloja entre el folk y el soul que la sugestiva voz de Tracy Chapman se encarga de rematar a la perfección.


24. The Waterboys: fisherman’s blues Op´s (Ensing, 1988)

El filósofo y literato Mike Scott con una banda nacida de la Gran Bretaña, firmaron a finales de los 80 el intachable “Fisherman’s Blues”. Con claro sabor a Irlanda este trabajo de The Waterboys es un título imprescindible de la década.


23. Violent Femmes: violent femmes (Slash, 1982)

El integrante de los Pretenders James Honeyman-Scott fue el descubridor de Violent Femmes. Se interesó por su música cuando los vio tocando en frente del local en el que The Pretenders actuaban esa noche, Chrissie Hynde les invitó a compartir escenario. El álbum de debut expresa a la perfección el espíritu inquieto de las bandas callejeras y nos muestra una visión muy particular e independiente del rock.



22. Def Leppard: hysteria Op´s (Vertigo, 1987)

Con la publicación de “Pyromania” unos años antes los Def Leppard consiguieron establecerse como unas superestrellas del rock. Con la llegada en el 87 de “Hysteria” los fans mas heavys se sintieron decepcionados pues tenían la esperanza de encontrarse con algo más parecido a una secuela del “Pyromania” que a un álbum con guiños Glam y tachado de música para club de striptease. Las críticas iniciales pronto se vieron eclipsadas por los siete hits que salieron del disco y actualmente se sitúa como el número 51 dentro de los álbumes más vendidos de todos los tiempos en los EE.UU.


21. Iron Maiden: the number of the beast Op´s (EMI, 1982)

Con la llegada del cantante Bruce Dickinson los Iron Maiden abanderaron la nueva ola del heavy metal británico. Uno de los trabajos más importantes en la historia de su género y que dejó tanta huella en el grupo como para que “The Beast” (La Bestia) haya sido un nombre alternativo de la banda  utilizándolo más tarde en los títulos de algunos de sus trabajos en directo o recopilatorios, como “Best of the Beast” o “Visions of the Beast”.


20. Metallica: master of puppets Op´s (Elektra, 1986)

El último trabajo de Metallica con la magia del bajista Cliff Burton es considerado como uno de los mejores discos de Thrash metal de la historia. La fuerza del álbum “Master Of Puppets“ hizo de Metallica una de las más importantes bandas de Thrash metal junto con Slayer, Anthrax y Megadeth.  Una obra maestra que para muchos llega en el cenit de su carrera.


19. Guns N’ Roses: appetite for destruction Op´s (Geffen, 1987)

El álbum debut más vendido del planeta, a pesar de que en el primer año no consiguió pasar del medio millón de copias. La MTV censuró la portada original del disco que mostraba un robot violador y a una joven muchacha yaciendo en el suelo. Los responsables del sello rectificaron la portada pero no fue suficiente para MTV que seguía negándose a emitir material de la banda. Finalmente y ante la perseverancia del presidente de Geffen, la cadena americana accedió a emitir el videoclip de “Welcome to the Jungle” pero sin apoyo ninguno, el vídeo fue emitido solo un domingo a las 4 de la madrugada y la bomba les estallo en la cara, llegó a ser el tema más solicitado en MTV en solo 24 horas.

Los Guns N´Roses con Axel Rose y Slash a la cabeza son una leyenda viva del heavy rock y todo empezó con este “Appetite for destruction”.


18. Jane’s Addiction: nothing’s shocking Op´s (Warner, 1988)

El álbum debut de los Jane’s Addiction vino de mano de un importantísimo sello como es Warner y eso repercutió de algún modo en el grupo que se disputaban el reparto de los royalties queriendo el vocalista Perry Farrel más del 60% de los mismos. En lo musical el disco pasó como por arte de magia de telonero de Iggy Pop y los Ramones a ser titular en las programaciones de salas y clubes. Es un paseo por muchas de las ramificaciones surgidas del rock pero con la sobriedad y elegancia del rock clásico de toda la vida.


17. Sonic Youth: daydream nation Op´s (Enigma, 1988)

Con “Evol” de 1986 los neoyorquinos Sonic Youth alcanzaron el estatus de grupo de culto, una obra maestra del Noise rock (rock ruidoso). Con el experimental “Sister” un año después acariciaron el sonido pop que parecía imposible esquivar en los 80. Un año más tarde, en 1988 firman “Daydream Nation“, un ruidoso collage que pronto ascendió a “clásico de la música independiente” y que contiene buena parte del repertorio de himnos de la banda como son ‘Silver Rocket‘, ‘Teenage Riot‘ o ‘Eric´s Trip‘.


16. INXS: kick  Op´s (Atlantic, 1987)

INXS subieron un escalafón en su carrera con la salida de “Kick”. El sexto trabajo de los australianos les hizo ganarse un sitio entre los grandes del momento como eran (y son) U2 o REM, gracias en cierto modo a la difusión masiva de la MTV que se enamoró de la estética rebelde de Michael Hutchence y sus simpáticos vídeos. Un álbum con sabor a funk rock.


15. Men At Work: business as usual Op´s (CBS, 1982)

Los jóvenes australianos de Men At Work presentaron un rock fresco y con aires reggae que caló a las mil maravillas en público de diferentes partes del planeta. Un álbum debut que fue rápidamente Nº1 del Billboard y permaneció durante 15 semanas hasta que lo desbancó el todopoderoso “Thriller” de Michael Jackson.


14. The Police: synchronicity Op´s (A&M, 1983)

The Police iniciaron el proceso de grabación y ya eran conscientes de que sería su último disco, algo que no repercutió en la calidad del trabajo pues es el álbum más completo de los cinco que tienen en su haber. Demarcándose de la new wave-reggae que tanto éxito les procuró se adentraron en un pop más sofisticado y elegante que podemos disfrutar a lo largo de estas 11 pistas.


13. U2: the joshua tree Op´s (Island, 1983)

Cuando Bono y los suyos salen de gira vemos en las noticias las interminables colas para adquirir una entrada, ardua tarea ya que se acaban en cuestión de horas. Este fenómeno fans no es nuevo para los U2, ya que cuando salió “The Joshua Tree” tardó tan sólo 28 horas en hacerse con el disco de platino. Un trabajo que todavía mantenía las raíces post-punk con los que se dio a conocer la banda irlandesa y que en la década de los 90 reciclaron hacía un sonido más pop.


12. The Stone Roses: the stone roses (Silvertone, 1989)

El debut de los Stones Roses nos trajo por primera vez un pop rock que no cansaba, basado principalmente en las melodías características de los años 60. Guitarras acompañadas de una suave y rítmica batería ensamblan a la perfección con la dulce interpretación vocal. Como dato curioso el tercer y cuarto corte del disco (‘Waterfall‘ y ‘Don´t Stop‘), son la misma canción tocada al revés con adaptación en la letra.


11. Pixies: doolittle Op´s (4AD, 1989)

Los fieles a la banda tal vez hubiesen escogido el visceral “Surfer Rosa” como el trabajo más representativo del grupo de Boston, nosotros nos quedamos con el posterior álbum “Doolittle”. Bajo la batuta de producción de Gil Norton, los Pixies adquirieron un sonido mucho más elaborado sacándole todo el jugo a la guitarra surfera de Joey Santiago. El antiguo productor y responsable de “Surfer Rosa”, Steve Albini, trabajaría poco después en la producción del disco “In Utero” de Nirvana a petición del propio Kurt Cobain que reconoció la influencia de los Pixies en su música.


10. Depeche Mode: music for the masses  Op´s (Mute, 1987)

Según el documental “Historia del Rock” dela BBC, son los padres del rock electrónico, unos auténticos fenómenos en la utilización de sampler y sintetizadores. “Music for the Masses” es toda una declaración de intenciones desde el propio título. Los adolescentes británicos habían madurado y venían dispuestos a hacerse con el mercado americano. Tal fue la repercusión del álbum que les embarcó en una maratoniana gira de 101 conciertos que comenzó en Madrid el 22 de octubre de 1987 y concluyó con la grabación en Pasadena el 18 de junio de 1988 del que seria el primer álbum en vivo del grupo y también su primer álbum doble, el fabuloso “101”.


09. Eurythmics: sweet dreams Op´s (RCA, 1983)

Annie Lennox y David A. Stewart firmaron un trabajo impecable que se convirtió rápidamente en éxito mundial. “Sweet Dreams (Are Made of This)” es un título clave de la década de los 80 gracias a las impresionantes capacidades vocales de la andrógina Lennox y al talento de Stewart para conjuntar las melodías electropop con los sintetizadores.


08. The Cure: pornography Op´s  (Fiction, 1982)

Es difícil poner etiquetas a un grupo como The Cure, con el paso de los años han ido experimentando diferentes sonidos como el post-punk, la electrónica ola Darkwave (un género más tétrico surgido de la New wave), pero más difícil es escoger un disco entre tantos y tan buenos. Nos quedamos con el gótico “Pornography” por ser el primero de la “trilogía de Robert Smith” (junto con “Disintegration” y “Bloodflowers”) y el último de su “trilogía oscura” (junto con “Seventeen Seconds” y “Faith”), una obra maestra del Robert Smith más inspirado.


07. The Smiths: the queen is dead Op´s (Rough Trade, 1986)

La relación amor-odio entre Morrissey y Marr fue corta pero intensa, en 4 años 4 álbumes de estudio, 3 recopilatorios y un directo. El penúltimo trabajo de estudio es “The Queen is Dead” y está considerado como uno de los mejores álbumes de rock progresivo de los 80 por las publicaciones más prestigiosas de la industria. The Smiths han sido reconocida influencia para grupos como Oasis, Suede, Pulp y Blur, formaciones que fundarán años más tarde el conocido como Britpop.


06. Pretenders: pretenders Op´s (Real, 1980)

Chrissie Hynde tenía claro desde muy joven que su sueño era formar un grupo y triunfar. Dejó su Ohio natal para instalarse en Londres donde trabajó parala New Musical Express. Tras una conversación con Lemmy de Motörhead decidió reclutar a los malogrados Pete Farndon como bajista y J. Honeyman-Scott como guitarrista y así tener el grupo por el que tanto luchó. Su álbum debut es un grito por la igualdad de género en una época y un mundillo regido por hombres..


05. Tina Turner: private dancer Op´s (Capitol, 1984)

¡¡¡La catarsis de Tina!!!

“Private Dancer” supuso el retorno al trono de la Reina del Rock, la vuelta a lo más alto de las listas de éxitos a nivel mundial. Tras la turbulenta ruptura con su productor, marido y pareja artística Ike Turner, Tina se reinventó apareciendo como una mujer madura, fuerte, sexy, decidida y con una voz capaz de enamorar a cualquiera. Un álbum repleto de colaboraciones como la del guitarrista Jeff Beck o el visionario músico electrónico Martyn Ware, con letras de Mark Knopfler, David Bowie y Paul McCartney entre otros. No es su mejor trabajo pero sí el más sincero y emblemático de la incombustible Tina, recientemente nacionalizada Suiza.


04. Bruce Springsteen: born in the u.s.a.Op´s  (RCA, 1977)

En el anterior post con los clásicos de los 70 tuvimos la tentación de presentar en sociedad al señor Springsteen con su tercer trabajo “Born to Run” de 1975 que fue un exitazo… pero decidimos esperar. En los 80 y tras el acústico e intimista “Nebraska” del 82 llega “Born in the U.S.A”. El primer compact disc con manufactura estadounidense, un mundo hasta entonces dominado por los japoneses. Un icono de la cultura popular americana.


03. Dire Straits: brothers in arms Op´s (Vertigo, 1985)

El quinto trabajo de la banda de Mark Knopfler fue pionero al ser grabado de forma digital. Aunque se publicó en formato vinilo y cassette se convirtió en el primer álbum en conseguir vender 1 millón de copias de los recién nacidos Compact Disc. El tema que cierra y da título al disco es el primer sencillo en CD para distribución comercial, con una tirada original de menos de 500 copias, es una pieza de coleccionistas casi imposible de encontrar.


02. Phil Collins: face value Op´s (Virgin-Atlantic, 1981)

El debut en solitario de Phil Collins fue toda una sorpresa, las sutiles influencias del sonido Motown se alejaban mucho del rock progresivo que trabajaba Génesis. Un elegante y pulcro trabajo del genial baterista británico.


01. Michael Jackson: thriller Op´s (Epic, 1982)


El álbum más vendido de todos los tiempos (115 millones de copias) es considerado por muchos grandes críticos como un disco perfecto (8 premios grammy). Bajo la producción de Quincy Jones y con un interminable equipo de colaboradores (Eddie Van Halen, Paul McCartney y Toto entre otros) el sexto trabajo del Rey del Pop se convirtió en un éxito que aún hoy no deja de batir record.